莎士比亚的四大喜剧之一《皆大欢喜》讲述的是一个“以善胜恶、皆大欢喜”的故事。被放逐的公爵的女儿罗瑟琳与奥兰多相爱，但不久之后罗瑟琳也被叔父放逐，她女扮男装逃亡到亚当森林，又与奥兰多相遇。剧中还讲述了亚当森林里其他三对男女的爱情故事。最终，恶人幡然醒悟、良心发现，四对恋人也喜结良缘。由余凤霞、陈涛改编和导演的戏剧《皆大欢喜》受邀参与第六届乌镇戏剧节，于日前在乌镇国乐剧院上演。
由余凤霞和陈涛成立的一诺戏剧工作室，在戏剧的创作上，一直以来探索的方向，就是将中国传统美学和当代剧场相结合，让观众在观看戏剧的同时，也能感受到中国传统美学的精髓。对《皆大欢喜》的改编创作，就是基于这样的探索和实验。“就像1000个人心里有1000个哈姆雷特，莎士比亚戏剧给我们提供了无限的可能。我们今天来做《皆大欢喜》，除了让观众感受到原剧作的主题外，还有一个重要的目的，就是让大家体会到中国传统美学那种独特的美。”陈涛说，这其中包括舞台空间的呈现、色彩的搭配，以及演员表演上的戏曲范儿等。
在《皆大欢喜》的舞台上，只有黑白红三种颜色。陈涛说，这是中国传统美学中很重要的三种颜色。地面是白色，板凳是红色，演员的服装是黑色。其他所有的装饰也都以这三种颜色为准，使舞台空间更纯粹，在审美上做到极致。
演员的表演，融入了很多戏曲表演元素，但不是搬用，而是化用。陈涛举例，在亚当森林里，罗瑟琳和奥兰多有一场戏，是两人站在板凳上，各拿一把扇子，随着对话的进行，他们有一系列精彩的动作。这些动作并不是直接来源于戏曲，但其根基还是在戏曲里。在整部剧中，用了戏曲中的锣鼓来强化节奏感，但并不是现场打，而是靠演员们念出来，或是他们用手敲击板凳的音效来打出戏曲的节奏。
“这部戏从头到尾贯穿的都是戏曲的神韵和节奏。每一个演员在某些情节处，会有中国戏曲的典型性动作或者表演，甚至有的演员全程带着戏曲范儿。”余凤霞介绍，比如剧中有个角色是村姑奥德蕾，这是一个男演员反串的角色，他的表演自始至终都融入了戏曲元素，“在这部剧里，演员们都不是按照传统的写实话剧的方式去演，他们的台词、身段、舞蹈动作等，都是戏曲的节奏。”
整部剧中除了有一些森林中鸟叫的音效，没有用其他任何音乐。陈涛说，“我们想追求一种质朴简洁的舞台效果，刻意避免用音乐，而是用演员的身体和舞台空间的碰撞，发出很自然的声响。”
余凤霞和陈涛合作的另外两部原创话剧《青衣·达·芬奇》和《网开三面》，同样是将中国传统美学和当代剧场结合的探索之作，前者曾获国家艺术基金资助。“这两部剧和《皆大欢喜》有很多相似之处，表演风格又完全不同。我们的追求在这几部剧中是一致的，就是融入中国传统美学的精髓。”余凤霞说，对于这种探索，她的感受不是“难”，而是“兴奋”，“这是我们特别感兴趣的领域，也是值得为之付出的”。
余凤霞和陈涛自小学习戏曲表演，后来考入中国戏曲学院导演系攻读硕士。现在，陈涛是中国戏曲学院导演系的教师，余凤霞任教于北京理工大学。在对当代剧场和中国传统美学如何结合的探索过程中，他们享受到了作为戏剧创作者的“创作自由”。他们致力于探索的这一领域，正是和多年来的戏曲专业背景密切相关。
“我们是戏曲演员出身，后来到中国戏曲学院学习导演，所以能够同时从演员和导演的角度看待戏剧的大环境和创作流程。在骨子里，我们觉得应该尊重戏曲，运用戏曲元素的时候我们要非常谨慎。所以在我们的戏剧里，观众看到的是中国戏曲内在的神韵，和中国传统美学内在的规律，而不是生搬硬套。”余凤霞表示，因为学过戏曲，拿过来一套戏曲标准的东西用，对他们来说很容易，但他们刻意避免这种做法，“这样的话还不如直接去演传统戏曲”。“我们更多的是通过戏曲和中国话剧的渗透和碰撞，来找到一种我们想要的戏剧表达。这或许也是中国戏剧应该出现的一种表达。”
余凤霞同时还是剧中女主人公罗瑟琳的扮演者。这一版的《皆大欢喜》，将莎士比亚原作的4万多字删减到2万多字，其中罗瑟琳一个人的台词就占到了1万多字。“莎士比亚剧作的台词，非常不好背，如果纯粹说台词，不要有太多动作和调度的话，演员的压力会很小。”余凤霞说，“但是这个戏里，演员说着说着就要动起来，因为追求一种节奏感，演员的台词和肢体的舞蹈动作，是要配合在一起的，所以一句台词或者一个词组就需要一个动作。这就给演员的表演增加了很大的难度。”
余凤霞的表演难度还在于要表现罗瑟琳复杂的心理，和对爱情的追求。“罗瑟琳女扮男装，在心爱的男人奥兰多面前，不断试探他的过程中，要表现出女人的小心机，还有妒忌、猜疑等，但戏曲的表演又很程式化。所以演这个角色，一方面要完成高难度的肢体动作，另一方面又要演出女人在爱情里的状态，对爱人的猜忌、对爱情的向往等。”余凤霞说，“当然，作为一名演员，我乐在其中。”
